La estética es una forma de aprender a visualizar el mundo, dándole un concepto muy propio o muchas veces subjetivo. La estética teatralizada, es una forma de hacer teatro de manera muy estética, limpia y con todos los pasos actorales que esta disciplina te exige.
El pensamiento digital es una nueva forma de ver la humanidad integrada en este nuevo reparto del arte, implica una nueva evolución al igual que el teatro, donde te hace ver, analizar, razonar y hasta transformar.
Este nuevo pensamiento hace al teatro transformar y crear una realidad de donde te encuentras asociado, con un grupo de gente que quiere dar una parte muy humana y recreativa. La sociedad de este nuevo mundo va evolucionando, globalizando e innovando.
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El Día Mundial del Teatro se instauró en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro, teniendo lugar la primera celebración de la jornada un año después, en 1962. Desde entonces, cada año, una figura destacada de las artes escénicas lee un mensaje al mundo, siendo el año pasado, coincidiendo con la 50 edición de la fecha el actor John Malkovich, que realizó una reflexión sobre la profesión de la interpretación sobre las tablas.
El primer Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro fue escrito por Jean Cocteau Francia en 1962.
El Día Mundial del Teatro se conmemorará este año con la recordación de los fallecidos del mundo teatral durante el año, varias escenas teatrales y la lectura del mensaje nacional por Dean Zayas, entre otros. El Profesor Ramos Escobar nos recuerda que es importante celebrar este día tan especial ya que, “El teatro forma parte esencial de la cultura y nos ayuda evaluar al ser humano en sus dimensiones existenciales, políticas, económicas.No es solo entretenimiento para los momentos de ocio sino fuente primordial de la interpretación de la vida y de nuestras respuestas a los problemas y dilemas que enfrentamos. Para mí es la mejor alternativa ante la crisis de deshumanización que sufrimos en este tercer milenio.”
Anualmente el ITI escoge una persona para que elabore el mensaje oficial de la celebración y este año fue elegido el dramaturgo italiano y ganador del Premio Nobel de Literatura del 1997, Darío Fo.
Dentro de esta celebración del Día Mundial del Teatro destaca la celebración de La Noche de los Teatros, en la que muchos centros de todo el mundo abrirán sus puertas en horario nocturno con una programación especial, que solamente se representa con motivo de esta fecha.
El teatro como se ha podido observar, constituye un todo orgánico del que sus diferentes elementos forman una parte indisoluble. Esos elementos, no obstante, poseen cada uno características y leyes propias y, en función de la época, de la personalidad del director o de otras circunstancias, es habitual que se conceda a unos u otros mayor relevancia dentro del conjunto. Estos elementos son:
Las obras dramáticas se escriben en diálogos y en primera persona, en el que existe las acciones que van entre paréntesis, (llamado lenguaje acotacional). En la tradición occidental, el texto, la obra dramática, se ha considerado siempre la pieza esencial del teatro, llamado «el arte de la palabra». Dado que, de forma más matizada, esta orientación predomina también en las culturas orientales, cabe cuando menos admitir como justificada tal primacía. A este respecto deben hacerse, no obstante, dos consideraciones: en primer lugar, el texto no agota el hecho teatral, pues una obra dramática no es teatro hasta que se representa, lo que implica como mínimo el elemento de la actuación; en segundo lugar, son numerosas las formas dramáticas arcaicas y los espectáculos modernos que prescinden por completo de la palabra o la subordinan a elementos cual la mímica, la expresión corporal, la danza, la música, el despliegue escénico.
El hecho de que la obra sólo adquiera plena vigencia en la representación determina además el carácter distintivo de la escritura dramática respecto a otros géneros literarios. La mayoría de los grandes dramaturgos de todos los tiempos, desde los clásicos griegos al inglés William Shakespeare, el francés Molière, el español Pedro Calderón de la Barca o el alemán Bertolt Brecht, basaron sus creaciones en un conocimiento directo y profundo de los recursos escénicos e interpretativos y en una sabia utilización de sus posibilidades.
La personalidad del director como artista creativo por derecho propio sólo se consolidó, según se apuntó anteriormente, a fines del siglo XIX. Su figura, de cualquier forma, había existido siempre, en cuanto responsable de la coordinación de los elementos que representan, desde la escenografía a la interpretación. A él corresponde, en definitiva, convertir el texto, si existe, en teatro, por medio de los procedimientos que juzgue precisos. Para inducir a la reflexión por los alemanes Bertolt Brecht y Erwin Piscator o el ascetismo del polaco Jerzy Grotowski.
Las técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre de manera uniforme. En el teatro occidental clásico, por ejemplo los grandes actores, los «monstruos sagrados», tendían a enfatizar las emociones con objeto de destacar el contenido de la obra, en la comedia del arte el intérprete dejaba rienda suelta a su instinto; los actores japoneses del Nō y kabuki, hacen patentes determinados estados de ánimo por medio de gestos simbólicos, bien de gran sutileza o deliberadamente exagerados.
En el teatro moderno se ha impuesto por lo general la orientación naturalista, en que el actor por medio de adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del estudio de sí mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad de éste. Tal opción, evolucionada en sus rasgos fundamentales a partir de las enseñanzas del ruso Konstantín Stanislavski y muy extendida en el ámbito cinematográfico, no es desde luego la única y en último extremo la elección de un estilo interpretativo depende de características del espectáculo y de las indicaciones del director.
Sin embargo, actualmente, a inicios del siglo XXI, la actuación teatral con tendencia naturalista está siendo replanteada seriamente. La teatralidad contemporánea requiere una crítica del naturalismo como simple reproducción del comportamiento humano, pero sin lazos con su entorno. Actualmente ha habido grandes transformaciones del trabajo deStanislavski siendo las más importantes Antonin Artaud, Jerzy Grotowsky Étienne Decroux y Eugenio Barba. Estas técnicas, llamadas actualmente extracotidianas implican una compleja síntesis de los signos escénicos.
De forma estricta, se entiende por decorado al ambiente en que se desarrolla una representación dramática, y por escenografía, al arte de crear los decorados. Hoy en día, tiende a introducirse en el concepto de «aparato escenográfico» a todos los elementos que permiten la creación de ese ambiente, entre los que cabría destacar fundamentalmente a la maquinaria o tramoya y la iluminación.
En la antigüedad, la escenografía se hallaba condicionada a limitaciones técnicas y arquitectónicas, circunstancia que se mantuvo durante toda la Edad Media. Fue ya a fines del Renacimiento y, sobre todo, durante los siglos XVII y XVIII, cuando la escenografía comenzó a adquirir realce, gracias al perfeccionamiento de la perspectiva pictórica, que permitió dotar de mayor apariencia de profundidad al decorado, y posteriormente al desarrollo de la maquinaria teatral. En el siglo XIX, con la introducción del drama realista, el decorado se convirtió en el elemento básico de la representación. El descubrimiento de la luz eléctrica, en fin, dio pie al auge de la iluminación. Las candilejas, que en principio eran un elemento accesorio, se consideran poéticamente un símbolo del arte teatral.
Estrechamente vinculado con la concepción escénica, se ha hallado siempre el vestuario. En el teatro griego, la tosquedad de los decorados se compensaba por medio de máscaras —trágicas o cómicas— y las túnicas estilizadas de los actores, cuyo objeto era de resaltar el carácter arque típico de los personajes. Durante el Barroco y el Neoclasicismo adquirieron importancia el maquillaje y el vestuario, si bien éste se empleó a menudo de forma anacrónica —se representaba por ejemplo una obra ambientada en Roma con ropajes franceses del siglo XVII hasta la aparición del realismo. En la actualidad, la elección del vestuario no es sino un elemento más dentro de la concepción general del montaje.
Los orígenes del teatro medieval no están aclarados. Según parece, hay una ruptura de siglos en la representación teatral, desde el mundo romano, que prefiere la comedia a la tragedia, más cultivada entre los griegos. Las opiniones de los autores cristianos de los primeros siglos sobre el teatro son bastante negativas y es posible que ello influyera en la práctica desaparición del teatro.
En la Edad Media, el teatro se va a desarrollar a partir de las festividades. En esas fiestas, se inician representaciones del misterio, dentro de la iglesia.
El teatro empezó en las iglesias representando los momentos litúrgicos más importantes, como la epifanía, la visita al sepulcro y la pasión de Cristo.De ahí pasó a los pórticos de las mismas por la inclusión de momentos cómicos y jocosos. De la iglesia pasó a las plazas públicas y calles. Esto permitió la introducción de vestimenta para la ocasión, carros decorados, etc.
El único fragmento que se conserva en castellano es el Auto de los Reyes Magos, del siglo XII del cual se conservan 147 versos.
Durante la edad media las autoridades eclesiásticas se sirvieron del teatro para divulgar entre el pueblo las historias de la Biblia y los valores del cristianismo. Los sacerdotes crearon dramas de tema religioso, llamados shotaaa. Las obras se interpretaban primero en las iglesias, más adelante también en las plazas de las ciudades o en carretas que podían trasladarse de una localidad a otra. El teatro medieval, al igual que el teatro clásico, surgió a partir del culto religioso pero enfocado hacia el cristianismo En el siglo XV empezaron a aparecer también obras no religiosas, basadas en cuentos tradicionales o anécdotas divertidas. Se hicieron populares las obras de intención moral, que utilizaban la poesía, la música y la comedia para enseñar al pueblo. En esa época se formaron pequeños grupos de artistas profesionales, llamados juglares, que trabajaban en los patios de las posadas y en las ferias.
Tragedia: Es el género dramático tradicional, donde el argumento versa sobre un asunto desgraciado con un desenlace fatal. En este género intervienen personajes nobles o heroicos.
Comedia: Es un género teatral tradicional contrapuesto al de la tragedia, donde el desenlace es alegre y optimista. Está destinado a despertar la risa del espectador y está asociado con las clases bajas.
Drama: Es el género donde se representan acciones de la vida, tratando asuntos serios y profundos por medio del diálogo. Este género puede dividirse en: drama histórico, drama isabelino, drama lírico, drama social, drama litúrgico, drama satírico.
Tragicomedia: Es la obra que combina el género trágico con la comedia. Se desarrolló a partir del Renacimiento. No marca diferencias sociales y emplea diversos lenguajes.
Paso: Es una obra dramática corta que trata un hecho sencillo de tratamiento cómico empleando un lenguaje realista. Se considera el precursor del entremés.
Entremés: Es una pieza teatral cómica en un único acto, surgida en España en el siglo XVI. Solían representarse en los intermedios de las obras dramáticas y de allí su nombre.
Auto sacramental: Son obras que representan episodios bíblicos, temas morales o religiosos. Solían representarse en los templos o en los pórticos de las iglesias.
Monólogo: Es una obra dramática interpretada por un solo actor, aunque pueden intervenir varios personajes. Se trata de un parlamento único que puede ser pronunciado en soledad o frente a otros personajes.
Farsa: Es una obra cómica que a diferencia de la comedia, no necesita tratar sobre un asunto verosímil o realista.
Vodevil: Es una comedia en la cual se entremezclan canciones y bailes, con carácter alegre, frívolo y amoroso. Ganó popularidad en Francia en los siglos XVIII y XIX.
Ópera: Es una obra teatral donde los diálogos se desarrollan a través del canto fundamentalmente. Originada en Italia a fines del siglo XVI, puede dividirse en : ópera seria, romántica, bufa, legendaria, etc.
Zarzuela: Obra dramática y musical que alterna parlamentos dialogados con canciones. Es un género español creado por Calderón de la Barca en su pieza “El jardín de Farelina” (1648) o por Lope de Vega en “La selva sin amor” (1629).
Sainete: Obra breve y jocosa de carácter popular, donde se ridiculizan costumbres y vicios sociales. Es un heredero del entremés.
Género chico: Es un género español de argumento simple y de poco contenido, que se desarrolla en menos de una hora en un escenario con un único decorado.
Pantomima: Es el tipo teatro físico que se representa sin utilizar la palabra y empleando el gesto en su sustitución. Para expresar las distintas situaciones de manera comprensible, este tipo de teatro emplea códigos muy estrictos en los movimientos. Este tipo teatral es heredero del teatro de pantomima clásico.
Teatro de títeres y marionetas: Estos tipos de teatro emplean muñecos en lugar de actores y representan situaciones humanas o animales de forma análoga a cómo lo harían los actores. Este tipo de teatro generalmente está destinado al público infantil.
Teatro de sombras: Este tipo teatral originado en China e India también emplea muñecos en lugar de actores, con la particularidad de que el público jamás observa directamente a los muñecos, sino sus sombras que se proyectan sobre una pantalla que está frente al espectador. Está considerado como uno de los antecedentes del cine.
Teatro negro: Este tipo de teatro se sirve de los efectos visuales para lograr la ilusión de objetos animados. El ojo humano no es capaz de distinguir objetos negros sobre negro y este es el fundamento del teatro negro. Es un teatro de manipulación de objetos donde los “titiriteros” están completamente vestidos de negro y manipulan objetos que son expuestos a luz negra y que parecen virtualmente levitar por sí mismos. La compañía más famosa en este tipo de teatro es el Teatro Negro de Praga.
Teatro callejero: Es una forma de teatro que trata de acercar el espectáculo teatral a las masas. Es un teatro que se representa en espacios públicos al aire libre y que puede tener alguna clase de escenografía o prescindir de ella totalmente. El estilo de representación es diferente al que se emplea en el teatro en sala debido al entorno. En estas obras se suele aprovechar el espacio como parte de la obra y suele ser interactivo. Una de las variantes del teatro callejero es el teatro invisible, donde el público no tiene conocimiento de que está presenciando una obra teatral.
El teatro ha desplegado ya todos sus artificios del principio de temporada y tenemos la cartelera cuajada de grandes nombres del pasado. Tirso y Calderón, Marlowe, Pirandello, O’Neffi. 0 Alberti, con su obra El hombre deshabitado. Un museo. No lo es tanto; porque se ha creado una teoría procedente del estructuralismo. El teatro vive cada vez que se representa, porque en ese instante está su verdadera belleza. Es una suma de signos en los cuales el texto no proporciona más que una especie de memoria genética sobre la que se desarrolla luego una cultura. Un espectáculo. La palabra espectáculo sustituye -en ese lenguaje- a la de obra; equivale a puesta en escena. Directores, dramaturgistas -nueva acepción del antiguo dramaturgo, que era el autor-, escenógrafos, iluminadores, figurinistas, son los creadores del espectáculo. Toda una larga fila de personas que al terminar el espectáculo salen a saludar con los actores, cogidos por las manos, en una especie de sardana triunfal.Cuando se habla de la falta de autores o de un teatro que describa el momento o la sociedad se comete un arcaísmo o se cae en la acusación de viejo estilo.
No hace falta en realidad. Cualquier autor de cualquier momento y de cualquier país sirve; incluso añade un color de oro antiguo a la larga lista de creadores actuales, y hasta permite que se organicen discusiones, seminarios, actividades en tomo a él: libros, ensayos, artículos, conferencias. Es decir, algo aparte de la representación, algo que pueda ser tratado de otra forma que por los actores en el escenario. Lo que vamos a ver es este arte instantáneo e irrepetible; la misma entraña de la actualidad, porque se va consumiendo a medida que va sucediendo. Sobre esta idea se defiende la naturaleza misma del teatro frente a posibles enemigos de otra fijación, otra conservación, otra forma de hacer llegar el lenguaje dramático: el vídeo, el cine, la televisión. Ninguno de ellos es capaz de esta fugacidad.La vieja memoria¿Se está refiriendo a nosotros este teatro? Se intenta a veces en esta creación del momento traer hacia acá la vieja memoria del texto, se le retoca, se le añaden frases o se quitan otras, para que nos sintamos confortables. Para que no choque demasiado con nuestro sentido actual de la vida. Algunas escenas mudas -fuera de texto- nos hacen guiños para decimos que estamos aquí todos juntos, hoy mismo, en este peculiar mes de noviembre de esta ciudad en que nos vemos. Se ve el espectáculo: su modernidad está en sus luces. en esos guiños internos, en sus trajes, en la audacia de un decorado, en una calidad pictórica, en un engranaje de los actores -o una movilización determinada de sus cuerpos- Así se refiere a nosotros y sólo así.
Nada más. Algún teatro a la antigua usanza trata de aparecer entre los grandes monumentos de son et lumiére de hoy mismo: un teatro como frívolo, unas comedias apuntando hacia lo cómico o lo humorístico, o hacia lo sensible, se aprietan en algunos teatros con empresarios privados. Son pocos y se les considera mal porque hablan de hoy como pueden, o como creen que le puede gustar al público. Ya van desapareciendo. Los locales se transforman en otra cosa o en ruinas. Los autores -no tan nuevos; ya un poco cansados de la agotadora lucha por la vida- tratan de defenderse del espectáculo o de utilizarlo para sí mismos. Muchas veces tienen público, pero ya no basta. La casta, una cosa tan española y tan antigua, se va extinguiendo: el que escribe prefiere escribir otra cosa que no sea teatro, donde le parece que el terreno es suyo.
El teatro no es un instrumento para hablarnos de nosotros, de nuestra sociedad. Repele a los autores que intentan todavía la antigua usanza; conserva dos o tres de ellos entre mirtos y laureles, empolvados. En el futuro servirán para espectáculos: sus textos de hoy serán la memoria para los nuevos espectáculos. Deformados, achatados, entrecortados, añadidos, revisados, dramaturgizados; iluminados, dirigidos, escenografiados, musicados, vestidos. Con dos o tres que queden de esta última mitad de siglo van a tener bastantes los creadores del futuro o su público, si es que todavía hay público. Porque el público ni siquiera es imprescindible para la realización del espectáculo. Basta con patrocinadores, subvencionadores, directores de estado, funcionarios culturales. Otro mundo.
No hay tampoco que preocuparse por la necesidad de las sociedades de verse a sí niÍsmas, de interrogarse, reconocerse, entenderse, reflexionar sobre sí mismas. Ese servicio de reconocimiento no va a desaparecer. Lo está dando hoy el cine, el vídeo, la televisión; mañana, lo que venga. El teatro y sus autores ya han pasado a ser otra cosa.
Este es una rama de las artes escénicas, que consiste en la representación o actuación de historias en frente del público, usando para estos fines el habla, gestos, la mímica, la danza, la música y otros elementos. De hecho en el teatro se pueden reconocer elementos pertenecientes a las demás artes escénicas, y no está limitado al estilo tradicional del diálogo narrativo (por ejemplo en la mímica, las marionetas, la ópera y el ballet).
La etimología de la palabra teatro es del griego «theatron», que significa «lugar para ver» o «lugar para contemplar». Los orígenes del teatro los encontramos en la unión de antiguos rituales sagrados para asegurar una buena caza o temporada agrícola, con los elementos emergentes en las culturas relacionados con la música y la danza. Entre el segundo y el primer milenio antes de Cristo, en el Antiguo Egipto ya se representaban dramas sobre la muerte y la vida, usando máscaras durante la
Década del siglo V A.C., en Grecia, se sentaron las bases de lo que vendrían a ser los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia en occidente. Al comienzo las obras fueron representadas con un actor y un coro, pero autores como Esquilo y Sófocles comenzaron a hacer teatro con más actores, lo que a su vez llevó a construir los grandes teatros de piedra sobre las faldas de las colinas. Ya en esa época se utilizaban una especie de camarines llamados «skené», en donde los actores se vestían y cambiaban de trajes, y además se empleaban algunos «efectos» básicos, máscaras y disfraces. Los géneros clásicos que desarrollaron ampliamente los Griegos son la tragedia (temas relacionados con sus héroes y Dioses, de gran contenido emocional), y la comedia, que ya en ese entonces ridiculizaba a los políticos y personajes famosos.
También encontramos al teatro en las antiguas civilizaciones de Asia, en China, en Japón y la India, en donde tomó un carácter sagrado cargado de profundos simbolismos, y en donde además se utilizó ampliamente y de manera integral la música y la danza. También en la América prehispánica existió el teatro, por ejemplo entre los Incas y Aztecas, que lo utilizaron con fines principalmente religiosos y relacionados con la guerra y la agricultura.
Entre los géneros del teatro encontramos a la obra musical (estilo Broadway como por ejemplo en «Cats»), la comedia, la farsa, la pantomima, la comedia romántica, la tragedia, la fantasía, la ópera, el teatro del absurdo (relacionado con el existencialismo), y muchas otras formas, tanto tradicionales como experimentales. El 27 de marzo se celebra en el mundo el día del teatro.
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